70 年《洋娃娃》：雷·勞勒三部曲如何為我們的未來提供一個驚人而大膽的願景

（MENAFN- The Conversation） 1955年由雷·勞勒（Ray Lawler）創作的《十七號洋娃娃的夏天》是一部具有典範意義的澳大利亞劇作。在首演時，被譽為澳大利亞劇場新時代的開端：講述澳大利亞故事，使用澳大利亞口音。

巴尼（Barney）和魯（Roo）每年工作七個月，從事甘蔗砍伐。在淡季，他們前往墨爾本，與工人階級女性奧莉弗（Olive）和南希（Nancy）共度時光。

今年夏天，在第十七次休假期間，南希意外地結婚了，這使得剩下的角色重新思考自己在這個獨特四人家庭中的角色。

大膽的是，勞勒將這些休假描繪為男性持續享受快樂和情感滿足的時期，同時也突顯南希和奧莉弗的自主性和獨立性，因為她們選擇成為休假女伴，這是一種矛盾的前女權行為。

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十七個洋娃娃與11小時

標題中的“洋娃娃”並非指女性，而是指一件首次在露娜公園（Luna Park）遊樂場購買的新奇物品。每年，魯都會送一個給奧莉弗，以示他重新的承諾。這些奇異的基普娃娃（kewpie dolls）最終裝飾著他們共用的寄宿屋的客廳，成為家庭生活這場時而持續、時而中斷的表演中的角色。

在1970年代中期，勞勒又創作了兩部額外的劇作——《洋娃娃》的前傳，構成一個跨越17年的三部曲：第一部是《孩子的賭注》（Kid Stakes），設定在他們關係的第一個夏天；第二部是《他時》（Other Times），設定在第二次世界大戰結束時。

《洋娃娃》仍是三部曲中最受歡迎的劇作，通常單獨上演。自1985年以來，這三部作品未曾一同上演，但現在Red Stitch劇院將它們輪流演出，包括一場持續近11小時（含休息）的馬拉松星期六場。

這些劇作並非按時間順序創作，且較早的兩部作品相隔20年，凸顯了勞勒對記憶的興趣——我們如何持續保存想法、如何面對失落與變遷。

同一組演員在整個系列中飾演角色，這是一個獨特的演技挑戰。這裡，娜蓓爾·唐·費爾（Ngaire Dawn Fair）飾演奧莉弗，艾米莉·戈達德（Emily Godard）飾演南希（以及最後一部分的珀爾），她們在觀眾面前出色地展現了角色的老化。

這次重演安排合理，演技華麗，燈光美麗，服裝令人驚艷。

我曾在墨爾本一個陽光明媚的夏末日，觀看這三部曲連演，觀眾散落在劇院周圍的草坪和花園中，幾乎就像走進卡爾頓（Carlton）後花園，正是角色離開舞台時進入的地方。

與其他觀眾共度如此長時間，產生了強烈的友誼感，也時常開些善意的玩笑，談論我們這些觀眾的辛勞，以及是否能堅持下去。

工作的本質

在這三部作品中，墨爾本本身是一個核心角色：它的酒吧、餐廳、公園和海灘。這座城市作為一個資源，支撐著角色的內心生活，儘管未能滿足他們的物質需求（至少對魯和巴尼來說如此）。

相反，劇中的角色依賴外來資金的注入——這在我們這個大幅削減藝術資金的時代尤為具有預示意義。因此，劇作的核心元素展現出來：它與工作的關係。

巴尼和魯是流動工人，扮演丈夫或追求者的角色，但並未同時扮演供養者。

他們在甘蔗田裡的工作，與臨時演員或音樂家的經歷相呼應——他們無法依靠穩定的工作。演員親身體驗到不可靠、充滿不確定性的工作，以及這對人際關係造成的破壞。

然而，《洋娃娃》中的角色卻找到了建立持久聯繫、在一個總是變化的世界中找到意義和滿足的方法。

這個三部曲邀請我們思考的不僅是它所描繪的1930年代末至1950年代中期的時代背景，更是關於時間性和時空的更廣泛思考。

當我們看到最後一部劇時，展現的暴力和原始情感因我們與角色共度的時間而顯得更加震撼。

觀眾真切感受到南希離開所帶來的破碎與中斷，也深刻體會到留下來的角色的幻滅與不確定。

如果說，從《十七號洋娃娃的夏天》首次演出至今已過70年，這段時間應該成為對劇中年輕角色所感受到的樂觀情緒的有力證明。

但除了澳大利亞戰後持續的經濟奇蹟和日益豐富的藝術文化遺產外，Red Stitch的《洋娃娃三部曲》正值一個模糊且充滿恐懼的時代。氣候變化威脅著魯和巴尼依賴的甘蔗田的健康，而快速的科技進步也可能讓我們都失業。

勞勒的劇作通過重新排列社會契約——尤其是婚姻和工作的規範——暗示舊有模式或許不值得哀悼。在這方面，這些經典作品為未來提供了一個令人震驚且大膽的願景。

《洋娃娃三部曲》將在墨爾本Red Stitch劇院演出，直到4月11日。